《银翼杀手2049》：影片中的电子音乐的应用，让人眼前一亮
在科幻电影的世界中，一部影片的成功往往离不开导演的巧妙构思和音乐的精妙搭配。丹尼斯·维伦纽瓦是当今享有盛誉的导演之一，他的代表作品《银翼杀手2049》便是一部充满个人风格的科幻巨作。影片背后有着丰富的创作团队，其中汉斯·季默和本杰明·沃菲斯的电子音乐为影片增色不少。
本文将深入剖析《银翼杀手2049》及其音乐的创作细节，从导演的背景、音乐的曲式结构到电子音乐技术的应用，一一呈现这部科幻巨片的独特魅力。
丹尼斯·维伦纽瓦自1988年进入导演领域以来，凭借一系列的出色作品逐渐崭露头角。他的导演生涯中涵盖了多个领域，从短片到大银幕，从金棕榈奖到奥斯卡提名，他在电影领域的成就举世瞩目。
而在《银翼杀手2049》中，他再次展现了对科幻题材的深刻理解和独特视角。
影片设定在“大断电”30年后的未来世界，人类与复制人之间的对立成为影片的核心。复制人被设计成为服务于人类的工具，不得有人类的情感。
然而，一名女性复制人的尸骨的发现却揭示了一个惊人的秘密，让人类与复制人的关系变得更加扑朔迷离。在这个充满科技与废墟的世界里，导演透过强烈的对立关系，反思了人与复制人、人与宗教、人类存亡等哲学问题。
这一主题的深刻挖掘与导演个人背景有着紧密的联系。
维伦纽瓦的作品一直以来都倾向于对人性进行深度剖析，而《银翼杀手2049》更是将这一倾向发挥到了极致。导演通过影片中人物的性格特点和成就来巧妙展示对人性的关切。
其中，陆军中尉乔什作为影片中的关键人物之一，展现了坚毅与果敢的一面。
他命令新一代的复制人杀手K来追踪线索，推动了影片剧情的发展。乔什的成就在于他对任务的忠诚与执行力，他代表了一种极端的人类立场，要求复制人永远屈从于人类的意愿。这种角色设置不仅推动了故事的发展，也为观众提供了对人性权衡的思考。
而复制人K，则展现了一种对人类情感渴望的温暖一面。在废弃的农场中，他发现了一些线索，这些线索与他被植入的记忆存在千丝万缕的关联。这个发现不仅让他对自己的身份产生了怀疑，也使得观众对复制人内心的挣扎有了更深的理解。K的性格在影片中扮演着连接人类与复制人的桥梁，他的成长与挑战贯穿整个故事。
影片中另一组追寻孩子下落的复制人团队，为故事增加了更多的层次。这组复制人的成就在于他们对“人类”命运的掌握，他们对人性的看法与乔什完全不同，更强调复制人作为独立个体的权利与尊严。这样的设置使得影片中的复制人群体呈现出多样性，为观众呈现了一个更加复杂的世界观。
正是这些丰富而立体的人物性格，使得《银翼杀手2049》在科幻电影中脱颖而出。导演通过这些人物，将科技高度发展的人类文明与脆弱渺小的人类个体之间的对比推向极致，观众在电影中仿佛置身于一个思辨与幻想并存的未来世界。
影片中的音乐同样是一大亮点，由汉斯·季默和本杰明·沃菲斯共同创作。汉斯·季默在电子音乐领域的造诣有目共睹，他的作品在诸多经典电影中都有着深远的影响。而在《银翼杀手2049》中，他再次展现了对电子音乐的独到见解。
其中的一首音乐作品《Wallace》具有独特的曲式结构和延展手法。这首曲子以并列式三段结构为基调，通过引子、A乐段、B乐段、C乐段等的巧妙组合，创造出一种前所未有的音乐体验。在横向结构上，引子部分采用减法合成器合成的C音持续低音效果，为整个曲子的氛围营造打下基础。
A乐段则以平行乐句a为主体，通过合成器中单声部主旋律Lead音色演奏出B至#C音形成的中高音区长线条声部，与男声的呼麦唱法相互呼应，创造出一种独特的音景。而B乐段和C乐段在结构上保持了A乐段的逻辑关系，通过不同的音乐元素和音调，使得整个曲子呈现出丰富的层次感和音乐冲击力。
在纵向结构上，《Wallace》通过引子、A乐段、B乐段、C乐段的有机连接，形成了一种紧凑而流畅的音乐叙事。汉斯·季默运用滤波器、相位效果器等技术手段，对人声素材进行巧妙处理，创造出荒寂、漫无边际的空间感，与影片的废墟世界相得益彰。
而在曲式的尾声部分，通过渐弱的声音效果，使整个音乐在情感上达到了一种高潮与宣泄的状态。这种反向设计的音乐曲式结构，为影片的氛围营造和情感表达提供了独特的音乐语言。
另一首音乐作品《Pilot》同样展现了电子音乐的前卫与创新。
曲式结构上，该作品采用了二部性并置结构，通过A乐段和B乐段的有机过渡，创造了一种流畅而富有层次感的音乐体验。A乐段以古代木管乐器“尺八”演奏的声音材料为主体，通过泛音处理和电子音乐技术手段，使得声音在左右声道中缥缈迁移，呈现出一种空灵的声音效果。
而B乐段则采用了无旋律化的创作方法，通过对音乐素材的精准化、随机化处理，形成了强烈的节奏张力和音乐效果。整个曲子通过对声音材料的反向处理、滤波器、合唱效果等技术手段的运用，呈现了一种新颖的电子音乐语言，为影片的音乐氛围增色不少。
从整体来看，《银翼杀手2049》的音乐与影片的主题相得益彰。汉斯·季默和本杰明·沃菲斯通过电子音乐技术的创新，为影片营造了独特的声音世界。这种在科幻电影中运用电子音乐的手法，不仅为影片增色不少，也为电子音乐在电影领域的发展开辟了新的可能性。
电影中的电子音乐应用探究——以电影《寂静之地》为例
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如果把浩瀚缥缈的人类文明历史比作一座山峰，那么艺术一定是山峰上那棵最为挺拔的劲松。由古至今，不论中外，无数能工巧匠与艺术家们皆在不同的领域开拓着属于人类的精神世界，随着人类科学技术的发展，可以用来表达艺术的形式也逐渐变得生动丰富起来。
而在这个百花齐放的新时代，电影艺术也无疑是其中璀璨的一颗明珠，经过一百多年的发展，电影无论是从艺术表现力还是对大众的影响力，都逐渐变得无法被替代。
电影艺术诞生于19世纪末期，经过短短的一百多年，它的“模样”已经与最初的时候大不相同。
电影艺术经历了从无声电影时期到有声电影时期的发展。在电影艺术中，声音这一元素带来的影响是巨大且不可忽略的，在这百余年的发展中，电影中使用的声音及音乐经历了颠覆性的变迁。
艺术家们对它的理解以及希望它承载的内容在不断更新，创作手法也变得多样而高明。在这其中，挖掘更多对电子音乐的创作方式是绝大多数艺术家们的共识。
这都是因为自从电子音乐诞生以来，它独特的音乐语言、创作概念与技术都大大扩展了电影的表现力，对于电影来说，是不可多得的“神兵利器”。
从19世纪70年代到20世纪40年代末，这一时期被称为机械刻录时期。这也是录音技术发展的第一个时期。
机械刻录的主要技术方式是对声音进行刻录，在这段时间里，艺术家们以完善声音的录制与回放质量为主要目标进行了不断的探索和挖掘。
理想的录音方式是立刻记录当下拾取到的声音并同时播放出来，但因为早期技术原因，设备技术的稳定性和录制者的参与感受非常有限。
当爱迪生发明的圆筒留声机进入市场后，德国发明家柏林纳（EmilBerliner）随后研制了新的录音系统——唱片留声机。
它将音乐媒介从蜡盘转变为圆盘。这一录音技术不仅支持声音录制与回放，还可以将声音刻在圆盘上，且改良后的一些性能相比于圆筒留声机更优。
于是，圆筒留声机被淘汰，新的录音技术与传播媒介被正式确立。
法国发明家斯科特（Scottleon）在1857年发明了声波记振器（Phonautograph）1。这是最早的原始录音机，但这种留声机并不能记录声音本身，只能记录一些声音的波形图像，但这个发明的出现为后来的研究和发展孕育了萌芽。
1877年，美国著名发明家、物理学家托马斯·阿尔瓦·爱迪生（ThomasAlvaEdison）发明了圆筒留声机（photograph），这是最早的可以对声音进行记录的留声机，也是真正意义上的录音系统。
它的录音方式是通过摇动蓄电的摇臂来发电工作，主要的录音媒介是蜡圆管和喇叭形状的话筒，而这只话筒不仅可以录制声音，还可以将录制完成的声音立刻回放出来。
当时的爱迪生使用他的圆筒留声机记录下了人类录音史上的第一个声音——《玛丽有只小羊》，但由于当时的技术条件有限，从而只朗读了短短的八秒并且没有得到广泛的关注和推广，于是，爱迪生在这个领域的研究也就暂时告一段落。
这一次他将改良后的留声机推向了商业市场，但当时这些新的系统并没能被大众广泛的应用，而是多用于录制一些短时长的声音，其原因在于，首先，当时的技术无法稳定的支撑长音频的录制。
其次，最根本的原因在于早期的圆筒留声机无法对声音进行无损复刻，也因为这一技术难题使得乐器声音严重失真、无法真实的还原音质，而当有小乐队这种团体需要录音时，情况则变得更为棘手，乐手们需要拥挤在话筒前。
无论是其他演奏员演奏时“近在咫尺”的乐器声音还是尴尬的位置分配，都让表演者感到别扭并且不够便利。
不仅如此，录制过程更是需要10台机器同时录制，几番操作下来，音质也还是不尽如人意，因为当时的录音能够捕捉到的频率也只有250-6000Hz，于是，当时大多是独奏、独唱与小型乐队作为主要使用对象，大型乐队很少去应用圆筒留声机系统进行录音。
直至今日，录音技术大致经历了三个时期的发展——机械刻录、编辑制作和数字化。上述历史分期以技术的整体应用为结点，因为新技术的出现多应用于对新观念的摸索探究，有着较强的实验性。
因此它是某段技术时期演变的标志。随着艺术家们对于技术的改革发展与创新，录音技术逐渐进入到编辑制作时期，又随着时间的推移，录音技术进入全面数字化阶段并沿用至今。
如果更加细化的话，很多研究者以技术本体的转变为根据，将这三个时期划分成“声学录音、电气录音、长时录音与磁带录音、多声道录音、数字录音”。
这种划分虽然更加细化了时间节点和界限，但他们的本质意义是一样的。由于前文中已经探讨了录音技术的起源，也就是机械刻录技术，因此，本段将延续上一段的机械刻录阶段，对录音技术的中期和后期、也就是编辑制作和数字创作这两个阶段进行分析。
学录音转变为磁带录音。磁带录音机的问世让录音方式变革为将音乐录制到磁带后，对磁带进行编辑与处理，以此来实现声音的再现。
德国AEG公司与法本(I.G.Farben)公司共同研发的马尼托风(Magnetohpon)1录音机是早期最著名的磁带录音机。
另外，这一时期的剪辑技术让音乐的“空间和时间”被重新定义，立体声、多声道的出现让音乐更具真实性，这使得声音从单纯的时间维度扩展到空间维度，给人“身临其境”的感受。多轨录音技术让不同时间不同地点录制的音乐可以合并轨道播放，让编辑后的声音达到乐队群奏的效果。
电影声音的发展与技术
1877年前后，托马斯·阿尔瓦·爱迪生（ThomasAlvaEdison）发明了留声机（photograph）这一声音系统，它的功能是将声音记录在蜡制圆筒上，这就是蜡盘录音，也是最早的圆筒留声机录音。
在播放电影时进行现场的录音配音及实时播放，但由于这一时期的声音技术条件有限，并不能够使得声音完美的在电影中播放复制出来，于是，当时的电影声音多为音乐与音效，并无旁白、对白等人声的声音。
1894年左右，一种播放蝶形唱片的留声机问世，他的优势在于复制声音变得非常的容易，这在当时具有非常光明的商业发展形式。
1895年，法国两兄弟路易斯·卢米埃尔(LouisLumiere)和奥古斯特·卢米埃尔（AugusteLumiere）发明了“电影放映机（filmprojector）”。同年，爱迪生研究发明出了“有声活动电影机（kinetophone）”，这是一个不小的突破。
但它的缺点是由于当时的技术原因而无法使得声画同步。在12月28日那天，卢米埃尔两兄弟在巴黎的咖啡馆放映了一组由他们自行拍摄完成的短片。
纪实短片的出现让这一天被世界认为是电影的“生辰”与起源，而艺术家爱迪生发明的“有声活动电影机”这一声音系统也为电影的起源与诞生立下了历史的里程碑。
无声电影时代的声音主要作用在于帮助解读电影中的画面内容，随着艺术家们的不断探索，电影中的声音可以起到提前预示的作用，电影中的声音不仅仅只拘泥于在看到当下的画面时同步的“出现”，而是同样可以作为画外音的方式存在。
但由于圆筒留声机这种最早的声音系统的局限性，以至于这项成果并没有得到很广泛的推广，只留下了当时录制的一些实验性质的声音，许多作曲家、指挥家及演奏家们在20世纪的前20年留下了许多珍贵的录音。
其中包括著名的作曲家、演奏家拉赫玛尼诺夫、德彪西、福雷、斯特拉文斯基等。法国“印象派”音乐的鼻祖德彪西（法语：Achille—ClaubeDebussy）在1904年就曾表达自己对于录音技术的看法，他认为录音技术可以确保音乐的准确性和完整性。
同时还有很多作曲家们认为录音这种声音技术对声音的复刻留存可以避免过去与未来很多不必要的争论。
也许，录音技术对于音乐和声音的真正影响和救赎要追溯到20世纪初前后，光盘复制技术逐渐随着艺术家们对于声画同步方式的新的探索而变得逐渐完善和成熟，胶片录音时代的到来逐渐取代了最初的圆筒留声机时代，至此以后，才算是拉开了录音技术正式进入电影中的新序幕。
电影《寂静之地》的简介与特点
电影《寂静之地》是约翰·卡拉辛斯基（JohnKrasinski）执导的惊悚类科幻电影，于2018年在全球上映。
电影配乐由最佳原创配乐获得者马可·贝特拉米（MarcoNeltrami）创作，声效主要由伊桑·范德莱恩（EthanVanDerRyn）与埃里克·阿达尔（ErikAadahl）设计制作。
电影的题材分为很多种，有动画电影、惊悚电影、科幻电影、战争电影等等。电影《寂静之地》将惊悚题材与科幻题材相结合，也将惊悚电影中的音响感与科幻电影中丰富的电子音乐技术相结合，使得《寂静之地》的电影配乐更加特别与丰富。
本文选择使用电影《寂静之地》进行举例分析的原因有两点，首先它打破了传统电影的声画模式。其次是它对电影声音独特的设计理念，是一部打造了“此时无声胜有声”的“体验式”概念的惊悚电影。
电影《寂静之地》将惊悚与科幻两种风格相结合并且该片的视听模式是具有实验性的。从惊悚片的角度来看，它区别去传统电影对于配乐的需求，它将音乐与音效的界限模糊，音效在一定程度上代替了一部分音乐。
从而更注重音响感，而电子音乐无论是从音色还是技术出发，它削弱音乐性与模糊音乐与音响的创作理念都与需要凸显氛围感的惊悚类电影十分适配，而合成器的运用也创造了独特且丰富的非自然音色，这些经过渲染后被创造出的声音与惊悚电影的超现实题材结合碰撞出了美妙的火花。
《寂静之地》的独特之处在于，作为惊悚与科幻并存的题材，它不同于大多惊悚与科幻类电影传统意义上的视听模式，电影中的配乐并不是连续贯穿整个影片的，影片有超过一半甚至更多的时间是“无声”的。
这不仅让人仿佛回到了电影早期的默片时代，而由于时代的发展，人们早已习惯了电影声音对电影无时无刻的存在与“陪伴”，因此这种减少使用声音对画面进行修饰与“发声”并让画面更具独立性的视听模式毋庸置疑是约翰·卡拉辛斯基导演、电影配乐师、声音设计师以及所有主创团队的一次充满挑战和突破性的大胆尝试。
结语
通过对电影《寂静之地》中的声音进行实验与分析后我们可以得知，电子音乐复杂多变的技术手段提高了电影声音的丰富性与多样性，原因在于，电子音乐不仅仅只是使用现有的声音进行创作，它也可以根据电影的声音需求来对原始声音进行改造与创造新的声音，正因如此，电子音乐对于声音的选择与制作是广泛且自由的。
随着电子音乐的进步，电影声音也增加了更多的方式去表达画面。例如：从最初只需要还原当下的画面内容到后来不仅仅只拘泥于表达画内音；从最初的现实类的声音录制到后来非现实类的声音制作等等，这些都因为电子音乐技术的丰富性而得到了实现。
很多时候需要根据影片中特定的内容对声音进行定制，而电子音乐这种可以利用多元化的硬件、软件、插件及效果器去创造出具有独特声音的技术手段恰好满足了电影对于特殊声音的需求，例如极具空间感的电影声音与“运动”中的电影声音等等，这些几乎都需要应用到电子音乐技术手段对声音进行处理与塑造。
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